Patricio Guzmán

En los años 70 filmó una de las obras más altas del campo documental: La batalla de Chile. Los temas de su inmensa filmografía siempre fueron su país, la memoria histórica y política y las figuras de Allende y Pinochet. Pero en los últimos tiempos sorprendió con una serie de trabajos de ensayo sobre temas más "abstractos". La notable película que abrirá este lunes la 9° edición del Festival Independiente del Documental en Buenos Aires propone una impensada ligazón entre lo geológico y lo político.

 

En 1973 el chileno Patricio Guzmán filmó lo que quedaría en la historia como una de las obras más altas del campo documental. De cuatro horas y media de duración, Guzmán escandió La batalla de Chile en tres partes, estrenadas entre 1975 y 1979. Partes de una serie y a la vez autosuficientes, esos tres films narraban lo que va de la utopía representada por el gobierno de la Unión Popular a la campaña destituyente de los “momios” y, finalmente, su consecuencia: el golpe de 11 de setiembre. De allí en más Guzmán (Santiago de Chile, 1941) confirmó que se trataba de un nombre mayor del documental, dedicando sus films posteriores a ciertos temas obsesionantes (Chile, la memoria obstinada, de 1997, tal vez sea su título emblemático por excelencia): su país, la memoria histórica y política y las figuras de Allende y Pinochet, encarnaciones del Chile que ansía cambiar y el que está dispuesto a impedir todo cambio, por los medios que sean.

Una década atrás, la obra de Guzmán dio un salto inesperado con una nueva obra maestra, Nostalgia de la luz. Allí el realizador de El caso Pinochet (2001) halló, en el desierto de Atacama, dos realidades que no podrían parecer más disímiles: un sitio en el que la luz es tan transparente que permite observar las estrellas como ningún otro rincón del planeta, y, aquí abajo, tumbas clandestinas de gente asesinada por la dictadura. Practicando la magia de un malabarista lírico, Guzmán halla el hilo de plata que las une. Tal como saben los astrólogos, los huesos humanos están hechos de la misma clase de polvillo que constituye las estrellas. Poética hasta el sobrecogimiento, política hasta la obstinación, Nostalgia de la luz es un film-ensayo, ligado por las aparentemente infinitas reflexiones y asociaciones que el propio Guzmán va haciendo en off.

La impensada ligazón entre lo geológico y político dio pie a Guzmán para completar una trilogía que se continuó en El botón de nácar (2015, Oso de Plata al Mejor Guion en la Berlinale) y más recientemente La cordillera de los sueños (2019, Premio Golden Eye en Cannes). Esta última es la película que abrirá este lunes y, de forma presencial, la novena edición del Festival Independiente del Documental en Buenos Aires (ver nota al pie y recuadro).

-Siendo el director de un mítico tríptico político, La batalla de Chile, y habiéndote dedicado durante treinta años a filmar prioritariamente documentales políticos, causa sorpresa el viraje hacia una serie de films de ensayo sobre temas si se quiere más abstractos, a los que asociás de un modo singular con la historia y la política chilenas. ¿Qué produjo ese viraje?

-Hay muchas clases de cine documental. Una de ellas es la introspección por parte del realizador sobre hechos que están sucediendo. Lo específico de un país, por ejemplo. Esa clase de documental requiere otro tipo de elementos de lenguaje. Nostalgia de la luz está llena de recuerdos personales, de metáforas y de estampas que nos conducen a otros planos de realidad. Es muy agradable el cine de metáforas, me agrada tanto como el documental directo, de aquello que está pasando aquí y ahora, como puede haber sido La batalla de Chile o el documental que estoy filmando en Chile en este momento. El directo es más restrictivo que otras clases de documentales, porque para hacerlo tiene que haber una situación en movimiento y tú filmando delante. Si eso no se produce no hay acción.

¿La batalla de Chile fue pensada como tríptico? ¿Tus tres películas más recientes también?

-La batalla de Chile es una sola película. Tuvimos que dividirla en tres partes porque si no se hacía complicado exhibirla, por su duración. Nostalgia de la luz, El botón de nácar y La cordillera de los sueños son tres miradas sobre tres zonas del país. El norte, el sur y el este de Chile.

-Las tres películas de esta serie hablan de realidades inconmensurables. Parecería que una sola película, o tres, no podrían dar cuenta de algo tan desmesurado. Sin embargo vos lográs lo aparentemente imposible. ¿Cómo te planteaste bajar estas cuestiones “a tierra”?

-Empiezo por una descripción bien concreta. Nostalgia de la luz empieza con la descripción de la cordillera, el desierto, de los observatorios. En El botón de nácar se describe el sur, las islas, el mar, el viento. En La cordillera de los sueños, las personas que viven al pie de las laderas. En las tres hay un deseo de observar y mostrar lo que uno está descubriendo. Eso las pone al mismo nivel que el espectador.

-Cuando te planteaste Nostalgia de la luz, ¿qué vino primero? ¿El desierto, la luz, los observatorios o los cuerpos de los desaparecidos?

-Lo primero fueron los observatorios. Yo quería hacer una película sobre astronomía, ya desde antes. La primera vez que me lo planteé fue cuando estaba rodando El caso Pinochet. Hubiera querido ir al norte y filmar el desierto y los observatorios. Eso siempre me llamó mucho la atención. Incluso escribí un guion, lo dejé en un segundo plano y cuando filmé Nostalgia de la luz tuve en cuenta algunas de sus escenas.

-¿El botón de nácar y La cordillera de los sueños devinieron de Nostalgia de la luz, o ya de entrada sabías que querías filmar también el Pacífico y la cordillera?

-Después de Nostalgia de la luz pensé que había que continuar. Sobre todo con el mar, con los miles de personas que los militares arrojaron al mar. Indagar, hacer investigación, hablar con algún piloto de avión que hubiera lanzado los cuerpos. Buscar testigos. Eso hice. De paso hablé también del exterminio de los indios que vivían en el sur de Chile. En el siglo XIX, los estancieros establecidos allí mandaron a poner en prisión a todos los indios de la zona, y los desterraron a una cárcel que había en una isla. Allí muchos de ellos murieron. Las dos historias de desapariciones forzadas de personas sucedieron en el mismo lugar, era necesario documentar ambas.

-¿Creés que el hecho de vivir lejos de Chile te permite pensar en tu país en perspectiva?

-Sin duda, cuando te alejas del tema adquieres una perspectiva diferente. A veces es peligroso, porque te alejas demasiado y tu mensaje se diluye. Hay que tener cuidado con eso. Mantener la perspectiva significa mantener un plano amplio, para tratar el tema con una libertad total. A mí me gusta mucho estar lejos de Chile, aunque esa distancia es imaginaria, porque al estar en contacto con las noticias, y por lo tanto con todo lo que ocurre y lo que ocurrió, vivo en Chile. A la vez también puedo abrir y cerrar el diafragma de la distancia, de acuerdo a mi sensibilidad.

-El trabajo fotográfico de las tres películas es de una calidad asombrosa. Cada plano es preciso, dura lo que la música del relato impone. ¿Trabajaste con alguna clase de storyboard? ¿Cuánto tiempo le dedicaste a la elaboración y concreción de cada plano?

-En el cine documental es difícil trabajar con storyboard, porque todo va cambiando todo el tiempo, nunca se corresponde con lo que uno pueda haber imaginado. Se puede trabajar con algunos parrafitos, algunos papelitos, algunas ideas de lo que quieres hacer. Tal vez haya documentalistas que trabajen con storyboard, yo soy incapaz. Cuando salgo al terreno con la cámara en la mano, o tengo cerca al camarógrafo, avanzamos juntos por un corredor nuevo e imprevisible. En el cine documental la improvisación es muy alta. Y peligrosa. Pero así es el documental. Siempre.

-Los textos en off son de un lirismo poco frecuente en el documental. Supongo que los habrás escritos previamente. ¿Te llevó tiempo pulirlos?

-El texto es muy complejo de hacer, lleva mucho tiempo. Empieza con un boceto muy primario, que yo leo ante un micrófono, en la sala de montaje, a medida que pasan las imágenes. Poco a poco el texto se vuelve más sutil, se vuelve indirecto. Va adquiriendo estilo. Eso demora mucho, es muy trabajoso de hacer. La imagen me resulta mucho más fácil que el texto. Pero es fundamental. Sin texto las películas no avanzarían, no entrarían en una etapa de reflexión. Hay veces que el texto es tan importante como la imagen.

-En los tres casos el tono de tu voz en off es inconfundible. Pausada, fraseada con una cadencia determinada y constante, llena de “aire” entre una palabra y otra. ¿Pensaste mucho en el relato como “personaje”?

-Es muy importante cómo se dice el texto, y quién lo dice. En el caso mío llegué a la conclusión de que mi voz era mejor que las otras. O mejor dicho: con mi voz yo podía señalar mejor lo que quería decir. Cuando trabajas con la voz de otro, sea un actor o un locutor, tienes que hablar mucho con él, ensayar lo que quieres que él haga. Yo lo que tengo es una “crítica” propia, que es mi mujer, que trabaja conmigo como productora. Cuando leo los textos en el estudio me va señalando los que no le gustan, cuando yo pierdo la naturalidad o hago una dicción muy forzada, o me voy por las ramas. Creo que sin ella, o alguna otra persona que te dirija, no se puede hacer. Tiene que haber un director detrás del sonido. El ingeniero de sonido también tiene una gran importancia, te va marcando lo que oyó en la grabación y tú tal vez has olvidado.

-La cordillerade los sueños tiene más testimonios de terceros que las dos previas. Se podría decir que es algo menos poética, más “a tierra”. ¿Así la pensaste? ¿Puede verse en ella una suerte de “retorno a la política”, aunque nunca la hayas abandonado?

-El problema con la cordillera de los Andes es que es un muro enorme, gigantesco. Para entrar en ella habría que tener un helicóptero y bajar a una distancia mínima, recorrer las cadenas… Habría que tener también drones, para hacerlos entrar dentro de los desniveles de las montañas, que son inmensas. Es algo que puede hacerse, pero yo no contaba con esos medios. Si los hubiera tenido lo habría hecho, y la película sería totalmente distinta. Estaría mucho más centrada en los motivos por los cuales esas montañas se elevaron hasta 7 mil metros del suelo. Cuándo ocurrió, en qué cataclismo se produjo, hasta qué punto eso se mueve por los volcanes, los terremotos que siempre hay en Chile. Todo eso me resulta apasionante. Pero era imposible. Había que tener una fortuna para hacerlo. Por eso me dije “Vamos a mostrar la cordillera, pero vamos a mostrar también a la gente que vive frente a ella”. Por eso hicimos la película.

-En las tres películas de la serie abordás lo inmenso desde tu yo, y en una toma impresionante de La cordillerade los sueños se ve la casa de tu infancia, destruida. Aunque la casa después se reconstruya, las tres películas tienen un tono melancólico. ¿Qué creés que perdiste o se perdió?

-Los documentales son siempre películas del pasado. Cuentas tu vida, tu infancia, qué es lo que te ocurrió. Es un diálogo entre el entrevistado y la persona que hace la película, pero el tono depende del estado de ánimo de cada realizador. En mi caso es verdad que siempre estoy atento al aspecto nostálgico de mi vida previa.

-En las tres registrás la pérdida de la memoria histórica en Chile. ¿Esa pérdida se inicia con el golpe de Pinochet, o el golpe de Pinochet es reflejo de otra clase de memoria en la historia chilena? Una memoria de derecha, conservadora, reaccionaria.

-Hablar del pasado es cosa de escritores, filósofos, algunos políticos. Pero la gente del común no lo hace. El país se desarrolla en presente y no todo el mundo va a estar hablando de la biografía nacional. Lo que hay en Chile es un enorme olvido de lo que significó Salvador Allende. La pérdida de memoria en Chile está centrada, hoy, en Salvador Allende. Después de Allende se trató de cerrar, ocultar, echar por la ventana, tergiversar, olvidarse de un personaje extraordinario. Hasta el punto de que hasta hoy mismo no se habla de él. Se recuerdan sus canciones, su música, algunos discursos. Pero no se han hecho novelas o ensayos sobre su figura, su proyecto. Durante 40 años el país vivió dando tumbos, tratando de olvidar lo que no se puede olvidar, sin saber dónde naciste, qué pasó en tu infancia o en tu juventud. Esto es terrible. Es como vivir arrastrando una piedra que no sabes cuánto pesa. La de Salvador Allende fue una de las dos fundaciones que tuvo Chile, un momento en el que el pueblo tomó la palabra.

-En tu obra nunca dejó de estar presente la sombra aún viva de Pinochet. ¿Creés que la rebelión de la juventud en 2019 y el nuevo ascenso de la izquierda representan el verdadero primer paso de un “No” de la sociedad chilena a lo que Pinochet encarnó?

-Es un primer paso estupendo. Pero en verdad no es el primero. Ha habido otras revueltas en Chile –la del Presidente Balmaceda, la de Allende-- en las que el país ha estado a punto de soltarse y producir una revolución importantísima en América Latina. Ahora se presenta una nueva oportunidad de cambiar la realidad, de avanzar hacia el futuro con el pasado en la mano.

13 de diciembre de 2021. 

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Jeff Gibbs: «Nunca habrá energía tecnológica verde»

Con el vídeo del documental El planeta de los humanos, de Michael Moore.

 

El Planeta de los Humanos formula difíciles preguntas sobre el fracaso del movimiento ambientalista para detener el cambio climático y salvar el planeta. Para responderlas, preguntamos a su escritor y director.

Publicado en vísperas del 50º aniversario del Día de la Tierra y en plena pandemia mundial Covid-19, el documental Planeta de los Humanos hace un duro análisis de cómo el movimiento ecologista ha perdido la batalla por sus elecciones bienintencionadas pero desastrosas, incluyendo la creencia de que los paneles solares y los aerogeneradores nos van a salvar, y por haberse sometido a los intereses corporativos de Wall Street.

Por lo que no es sorprendente que la película haya suscitado controversia. Ha sido criticada de ser parcialmente anticuada y engañosa y algunos la acusaron de hacer una exposición sesgada de las energías renovables y de apoyar un «maltusianismo antihumano».

Para disipar cualquier duda decidimos entrevistar al escritor y director de la película, Jeff Gibbs.

Nacido en Flint, Michigan, Jeff colaboró durante mucho tiempo con Michael Moore. La primera película en la que trabajó fue Bowling for Columbine [“Un país en armas”, en Argentina, y “Masacre en Columbine”, en México*], en la que produjo muchas escenas icónicas como «el banco que te da un arma», «el perro dispara al cazador» y la «Milicia de Michigan». Tras el éxito de Bowling for Columbine, Jeff se convirtió en coproductor de Fahrenheit 9/11, el documental más taquillero de todos los tiempos. Jeff también escribió la banda sonora original de ambas películas. Desde Fahrenheit 9/11, aunque se tomó algún descanso ocasional para producir otras películas, incluyendo el documental de Dixie Chicks Shut Up and Sing [“Cállate y canta”], Jeff ha estado singularmente obsesionado por el destino de la Tierra y la humanidad.

Pregunta. Hola, Jeff. Muchas gracias por esta oportunidad. En primer lugar, el documental está basado en datos científicos. ¿Cuánto tiempo te llevó recopilarlos y qué confianza merecen?

El planeta de los humanos no es una mera recopilación de datos, sino una historia de descubrimiento que carece de sentido fuera de contexto. El panorama general que se presenta en nuestra película es que la civilización está llegando a muchos límites, incluyendo el agotamiento de los recursos, el empobrecimiento del suelo, la deforestación, la sobreexplotación de los océanos, el colapso de la biodiversidad y, por supuesto, el cambio climático. Resolver únicamente el cambio climático no nos salvará, especialmente cuando las llamadas soluciones implican el uso de tecnologías punta que están diezmando la biosfera y causando daño a los seres humanos en todo el mundo. Peor aún, estas supuestas «soluciones» verdes implican acostarse con los banqueros, industriales, capitalistas y sus «fundaciones». De hecho, nada puede marcar la diferencia a menos que encontremos una manera de terminar con nuestra fatal adicción al crecimiento económico, si bien tenemos que cuidar de aquellos que más lo necesitan.

Hace más de una década, comencé mi viaje de exploración del desastre creado por los humanos, y de cuál podría ser la salida. Cuando me di cuenta de que las llamadas soluciones «renovables» no eran ni renovables ni soluciones, empecé a documentar lo que estaba descubriendo. Por ello, lo que se ve en «El planeta de los humanos» está tomado en su mayor parte del mundo real y de entrevistas con expertos. Todos los datos, ya sean de tablas o gráficos, son los más actualizados disponibles, por regla general de 2019 y 2020.

En la película nos apoyamos en hechos, y ofrecemos una amplia documentación en nuestro sitio web. Por ejemplo, los críticos dicen que no deberíamos haber mostrado una escena histórica con paneles solares de un 8% de eficiencia porque esta se ha duplicado desde entonces. Esto no es cierto. En aquella época también había paneles más eficientes, al igual que ahora, pero cuestan el doble o no duran tanto. La eficiencia solar no se ha duplicado desde 2008. En la actualidad, las nuevas tejas solares de Tesla tienen menos de un 8% de eficiencia.

Pero la cuestión de mayor relevancia es que lo importante no radica en la EFICIENCIA, sino en la INTERMITENCIA, tal como se destaca en la película. Debido a la intermitencia, las llamadas energías renovables no pueden reemplazar directamente a los combustibles fósiles sin el almacenamiento de una gran cantidad de energía, algo que no existe a tal escala, y que de implementarse sería a costa de incrementar enormemente el impacto medioambiental y el consumo energético de la llamada energía «verde».

Pregunta. Usted critica algunas de las renovables más importantes y populares. ¿Existe actualmente alguna forma de auténtica energía verde? ¿Cree que es posible producirla con independencia del modo de producción?

La energía «verde renovable» no es ni verde ni renovable. La luz solar y la fuerza del viento pueden ser renovables, pero las gigantescas máquinas tecnológicas hechas para recolectar el viento y el sol son precisamente lo opuesto. Que la tecnología pueda llegar a ser alguna vez «verde» o «renovable» es una de las mayores ilusiones de la historia. La tecnología proviene de la excavación, voladura, minería, quema, fundición, refinación y múltiples procesos industriales. La tecnología consume recursos no renovables, y emite toxinas y contaminación. No existen otras opciones. Todo tiene un precio. El cambio de las fuentes de energía basadas en el carbono a las llamadas «renovables», incluso si fuera posible, aumentaría nuestra dependencia y consumo de recursos no renovables, acelerando la desaparición de la civilización industrial. El sol seguirá brillando y el viento soplando mucho después de que nuestro inútil intento de recolectarlos con cientos de miles de millas cuadradas de tecnología «verde» se venga abajo. Nunca habrá energía tecnológica «verde», y fantasear con ella es una contundente manifestación de nuestra desesperación. Y tened en cuenta que la mayoría de lo que se define como energía “verde”, y se subvenciona como tal, son los biocombustibles y la biomasa –y con ellos se quema lo que queda del planeta vivo a fin de seguir alimentando nuestros estilos de vida.

Pregunta. ¿Qué opina de la energía nuclear?

Aunque la energía nuclear proporciona más energía fiable que las tecnologías solar o eólica, sus defensores participan en gran parte de las mismas ilusiones que los llamados defensores de la energía renovable. (Por supuesto, yo mismo fui antaño uno de ellos). Exploraremos más sobre la energía nuclear en nuestro trabajo futuro. Pero incluso la formulación de la pregunta «¿qué pasa con la energía nuclear?» enmascara el erróneo supuesto de que en alguna manera más energía ayudaría a «salvar el planeta». A menos que los humanos tengamos un interruptor de apagado, y comencemos a apagar esta civilización global, la vida en la Tierra acabará “tostada”. Si se nos diera más energía «limpia» mágica y gratuita de cualquier tipo, nuclear, solar, eólica, de mareas, de rayos de luna, lo que sea, los humanos la usaríamos para seguir arando, arrasando, talando, minando, fundiendo, pavimentando, contaminando, plastificando, construyendo, pescando en exceso, cazando en exceso y, en general, consumiendo en exceso, prosiguiendo por este camino hasta liquidar lo que queda de nuestro planeta vivo.

Pregunta. Su documental demuestra cómo las grandes corporaciones se han infiltrado en el movimiento verde. ¿Qué lecciones tienen que aprender los activistas? ¿Qué errores cometieron?

Cuando te acuestas con los capitalistas, banqueros, multimillonarios y sus llamadas fundaciones sin ánimo de lucro, no son ELLOS los que cambian –sino tú. Tu visión se atasca en el tiempo y se entierran las más grandes verdades. La revolución no será financiada por aquellos que se benefician del statu quo. Cuando te comprometes para obtener una «victoria» –pierdes. Todo el mundo pierde. Lenta pero inexorablemente, los capitalistas han dado al movimiento ambientalista un angosto enfoque hacia el cambio climático y la supuesta solución de la energía verde, porque es un centro de ganancias de 50 billones de dólares. Y queda fuera de discusión que, aunque algunos líderes ambientales lo digan de boquilla, nuestra adicción al crecimiento económico perpetuo (verde o no) en un planeta finito se encuentra en fase terminal.

Pregunta. ¿Deberían los activistas más conscientes y radicales participar en movimientos medioambientales para cambiarlos desde adentro o hay mejores lugares y formas de llevar a cabo esta batalla?

Buena pregunta. Creo que lo más importante es estar en posesión de la visión correcta. Esto es de una trascendencia mucho mayor que una emergencia climática, por muy grave que sea lo del clima. Nuestra entera civilización industrial con sus siete mil millones de humanos, en camino hacia los ocho mil, está llegando a su fin. O bien nos adelantamos a la civilización que ahora está emergiendo y al colapso biológico o sufriremos las más extremas consecuencias. Las especies no humanas ya están sufriendo las más graves secuelas en todo el mundo.

Pregunta. ¿Qué piensa del movimiento “Viernes para el futuro” de Greta Thunberg?

Creo que Greta Thunberg tiene unas increíbles percepciones. El hecho de que los jóvenes estén usando la palabra extinción representa un genuino progreso. Comparto el temor de todos los activistas sinceros, motivados y auténticos, jóvenes y viejos. Cuando nos enfocamos en el cambio climático sólo como LA cosa que está destruyendo el planeta, nos vamos acostumbrando a las fuerzas del capitalismo que quieren seguir vendiéndonos la desastrosa ilusión de que con la minería, las fundiciones y la industrialización podemos construir nuestra vía de escape de este evento de extinción. Y otra vez, entre bastidores, mucho de lo que estamos haciendo para «salvar» el planeta es quemar el «bio» del planeta como energía verde.

Pregunta. A pesar de salir en un país occidental supuestamente democrático, el documental sufrió una campaña de censura coordinada. ¿Puede describir el tipo de censura, el papel de YouTube y decirnos qué lecciones ha aprendido?

Hemos aprendido que aquellos que están profundamente inmersos en el statu quo y que se acuestan con los capitalistas harán todo lo posible para intentar detener a aquellos otros que representan una amenaza para su narrativa. Aunque el tiro les salió por la culata, dando como resultado que un mayor número de personas viera «El Planeta de los Humanos», es verdaderamente aterrador percibir hasta que punto en el año 2020 unas pocas grandes corporaciones controlan lo que el público ve. La censura sigue siendo un gran problema: tanto The Guardian como Newsweek rechazaron múltiples intentos de que se editaran respuestas a la censura que habían publicado. Hemos sabido que los escritos de varios periodistas y académicos en apoyo de «El Planeta de los Humanos» han sido rechazados para su publicación.

Pregunta. El documental recibió algunas críticas. ¿Qué aprendiste de ellas?

Pudimos percatarnos de la desvergüenza de nuestros llamados críticos con sus ataques hipócritas, calumniosos, coordinados y, según parece, bien financiados. Intencionadamente ignoran las grandes verdades para confundir a la gente. Después de ver la película, la crítica parece ridícula.

Los críticos dicen que la carga de los vehículos eléctricos ya no se basa en los combustibles fósiles desde 2008. Esto no es cierto. La red eléctrica de Michigan sigue siendo convencional (no solar o eólica) en un 94%, al igual que en la mayor parte del mundo. De hecho, el uso global de combustibles fósiles se ha expandido en los últimos años –en su mayor parte se utilizan para producir los materiales instalados en los vehículos eléctricos, paneles solares y aerogeneradores.

George Monbiot dijo que la película es racista por mostrar la realidad biofísica de que globalmente la población y el consumo están aumentando. Para poder decir cosas que nosotros no dijimos, Monbiot hizo recortes en la película. Luego se inventó ideas altamente perturbadoras sobre cómo lidiar con ello, –ideas producto de su mente, no de la nuestra. No compartimos los aterradores planes de George Monbiot. Se está involucrando en la censura con la intención de asustar a la gente para que no vea la película, pero sus esfuerzos han sido totalmente inútiles.

Para terminar, quiero dejar claro que soy una persona muy esperanzada. Nuestra esperanza proviene de vivir en la realidad, no basándonos en fantasías sobre gigantescas máquinas industriales de recolección solar y eólica, o en “limpios” combustibles nucleares o fósiles que «salvarán el planeta». El planeta no tiene ni el más mínimo interés en un nuevo esquema de dominación y control por parte de los humanos. Ahora, mientras todavía tenemos ballenas azules y secoyas, pájaros cantores y mariposas, es un buen momento para abordar la única esperanza que nos queda: o bien del “más” pasamos al “menos”, o acabaremos en el montón de chatarra de civilizaciones fracasadas arrastrando todo con nosotros.

Por Simone Rossi | 12/11/2020

Traductor: Luis Lluna Reig

Vídeo:Michael Moore. El planeta de los humanos

Fuente:  http://www.wrongkindofgreen.org/2020/08/23/jeff-gibbs-there-will-never-be-green-technological-energy/     

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El cine arte se reactiva en la frontera Colombo-Venezolana

“Contra viento y pandemia” se celebró desde el 21 y hasta el 26 de septiembre el Décimo Festival para Cinéfagos en la Frontera, evento binacional de cine arte en la frontera colombo-venezolana, realizado en las ciudades de San Cristóbal, Venezuela, y en San José de Cúcuta, Colombia, un evento pionero en la reactivación de las actividades sociales y económicas del sector cultura. Los asistentes presenciales y virtuales del evento vivieron una experiencia con 51 filmes de diferentes categorías, algunos de ellos destacados en una jornada de premiación. El Festival contó además con talleres, performance, concursos y foros. Todo esto con relevancia internacional.

Primera vez en la frontera colombo-venezolana.

Aunque el Festival tiene una historia que remite al 2010 con la Fundación Bordes como organizadora, no fue sino hasta el presente año que pudo realizarse por primera vez en Cúcuta, toda vez que miembros del equipo organizador quedaron atrapados en Colombia luego del cierre de la frontera el 13 de marzo según lo ordenó el Decreto 402 del 2020. Aun así, apoyados virtualmente por colegas de la Fundación Bordes y también por organizaciones y artistas colombianos, se logró ejecutar del 21 al 26 de septiembre un evento que, debido a las circunstancias epidemiológicas actuales no tiene precedentes.

Algunas organizaciones colaboradoras que están comprometidas con el proceso de reactivación del sector cultura, con la bandera del cine en esta ocasión, fueron la Fundación Humanitaria ViveCúcuta, Cine Club de la Universidad de los Andes Táchira, Cine Túur Cúcuta, Bordes Galería Café y Productora Audiovisual para Cinéfagos.

 

Cinéfagos degustando cine binacional e internacional.

Los asistentes o “cinéfagos” (como lo denominaron sus organizadores) llegaron a degustar diversidad de sabores en filmes provenientes de Asia, Europa y claramente una cuota de América Latina y del Norte. Estas producciones fueron sometidas a concurso bajo el concepto de los jurados Carlos Caridad, Inti Torres y Maurizio Liberatosciolli, que dieron como ganadores de las siguientes categorías a: Mejor cortometraje de ficción, The Passport, por Bavali (Irán); mejor dirección de arte, Maiden, por Aghakhani y Saeedi (Irán); mejor sonido, Horroscope, por Diggler (España); mejor cortometraje nacional venezolano, Qué hago yo aquí, por Maríalejandra Martín; mejor documental, Proxima paragem, por Florence Weyne (Portugal); mejor vídeo musical, breadcrumbs, por Jan Eilhardt (Alemania y Grecia); mejor vídeo arte, Port lands, por Zachary Finkelstein (Canadá); mejor vídeo danza y mejor música original, 4, por Mariana Palacios y Adrián del Arroyo; y mejor cortometraje, Riviera, por Jonas Schloesing (Francia). Hay que decir que se tuvo en cuenta el concepto del equipo organizador y del público: Premio Bordes, Shapes and sizes, por Pamela Falkenberg (USA); y premio del público, Panic Attack!, por Eileen O’Meara (USA).

 

 

Fuera del cine, Cinéfagos en la frontera no solo ofreció a sus asistentes una serie de películas sino también talleres de Stop motion, a la cabeza Josué Jaramillo; ponencias con estudios sobre la emoción, el análisis fílmico del documental de creación, llevadas a cabo por los jurados mencionados en el párrafo anterior; foros, destacándose el Observatorio de Asuntos de Género del Norte de Santander, presentado por Gabriela Chacón, quien articuló su charla con Carne, un documental animado realizado por Camila Kater (Brasil) presentado como muestra especial en el festival; y presentaciones de vídeo danza, tomando el protagonismo las artistas Liz Pérez y Atenea.

Reactivación cultural pionera.

Para cerrar, es importante resaltar que este festival de cine arte es pionero en la región por ser el primer de corte binacional que se realiza de forma virtual y presencial, con sede en Cúcuta y San Cristóbal (para cumplir con las respectivas medidas de bioseguridad), y teniendo aun la amenaza latente de una pandemia, dejando consigo dos llamados de atención: a los artistas y gestores culturales locales e internacionales, el COVID no puede ser ya un impedimento para realizar eventos de manera colaborativa en pos de la reactivación del sector cultura y su fortalecimiento local, nacional, binacional e internacional; y a las capitales de ambas repúblicas, es necesario virar sus miradas hacia las fronteras para comenzar a tener procesos de desarrollo territoriales que mantengan como constante la “binacionalidad” como influencia cultural en una frontera, y más en una tan particular como la colombo-venezolana.

Para más información del evento, visítese el sitio web de la Fundación Bordes, www.bordes.com.ve, y sus redes sociales en Facebook e Instagram.

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"Lo impresionante de Black Lives Matter es que nos dio un hashtag que funciona como paraguas universal."

Dará una charla en el Festival de Cine Migrante

Historiador cultural afroamericano y activista de Black Lives Matter, Balagun admite "tensiones" dentro del movimiento antiracista, pero cree en la potencia del momento y habla de "un socialismo con alma".

 

 “Malcolm X dijo una vez que no podés ser capitalista sin ser racista. El racismo está enraizado en el sistema capitalista desde sus inicios. El trabajo que aportaron las personas negras en el nuevo mundo fue el motor del capitalismo: el algodón que levantábamos acá iba a las fábricas de Inglaterra para hacer ropa”, afirma Kazembe Balagun en entrevista con Página/12 desde Nueva York. Historiador cultural afroamericano, activista del movimiento Black Lives Matter y director de proyectos de la oficina de la Fundación Rosa Luxemburgo en su ciudad, está convencido de que los movimientos sociales, sobre todo los que surgen “desde abajo”, deben expresar una visión que desafíe al capitalismo y también al racismo. Y a sus 44 años, tras observar la lucha de “varias generaciones”, cree que Black Lives Matter, el movimiento surgido en 2013 tras el asesinato del adolescente Trayvon Martin en Estados Unidos, “es una fuerza global muy poderosa para construir democracia y solidaridad”.

Kazembe, cuyos estudios unen el arte, el cine y el jazz con el marxismo, los movimientos LGBT y la tradición radical negra, dialogará online y en vivo con el historiador argentino Ezequiel Gatto el próximo domingo a las 22:40 horas en el foco “I can’t breathe” (“No puedo respirar”) del Festival de Cine Migrante, y que lleva como nombre la fatídica frase que pronunciaron varias víctimas negras de la violencia policial en Estados Unidos mientras eran asfixiadas hasta morir. En el foco se podrán ver películas centradas en el racismo y la discriminación como la impactante y personal Did You Wonder Who Fired the Gun, la aclamada What You Gonna Do When The World’s On Fire,Generation Revolution o la argentina Pibe Chorro, de Andrea Testa.

-¿La lucha de clases es la mejor forma de unir a las personas detrás de un mismo objetivo, más allá del color de su piel?

-Absolutamente. Estamos conectados más allá de los límites raciales y de género y tenemos un enemigo común, que es la gente que saca provecho de nosotros. La lucha por la liberación negra nunca fue una lucha por la separación racial. Cuando digo “Black Lives Matter” (“Las vidas de las personas negras importan”), no estoy diciendo que las otras vidas no, sino que importan las vidas de las personas más oprimidas. Una vez que liberemos a la gente negra, podremos liberar a todas las personas. Los movimientos Black Lives Matter o Movement for Black Lives son parte de un movimiento más amplio por una democracia multirracial y económica.

-Hablás de crear “un socialismo con alma”. ¿A qué te referís?

-Como las personas negras siempre estuvimos excluidas de la sociedad, dependemos de lo que llamo formas de vida no mercantilizadas, es decir, redes que están por fuera del dinero, como la amistad, para sobrevivir. Mi idea de un socialismo con alma no está relacionada solo con lo económico, sino también con lo interpersonal. Está relacionado con ver a las personas como iguales, que todos tengan voz. Hablo de extender la familia. Yo estoy influido por la iglesia negra y la tradición del gospel, que dice que todos tenemos una voz. Todos pueden cantar. Cuando me encuentro con una persona negra la llamo familia, hermano o hermana, porque tenemos una experiencia común de racismo. Lo impresionante de Black Lives Matter es que nos dio un hashtag que funciona como paraguas universal. No significa que todos estemos haciendo lo mismo, pero me permite reconocer que alguien que opera bajo ese hashtag en Brasil, por ejemplo, está en una lucha similar a la mía.

-Hace poco un artículo en Los Angeles Times señalaba que muchos blancos consideran al movimiento cool y lo están cooptando.

-Creo que es cool pensar que es cool estar en contra del racismo (risas). Que las estrellas deportivas o de cine de este país respondan al movimiento es una muestra de cuán lejos llegó. Pero como en todo movimiento hay tensiones. Ahora tenés megamillonarios negros que quizá no están interesados en trabajar con la comunidad como en los ’60. Por otro lado, este es un momento muy desafiante para la identidad blanca. Por un lado tenés a Donald Trump y la ultraderecha, con una visión blanca y etnonacionalista. Y tenés personas blancas que quieren estar junto a sus hermanas y hermanos negros y crear otro mundo. En tiempos del comercio de esclavos había esclavistas blancos que se escapaban del barco y corrían hacia la selva africana al grito de: “¡Libérenme! ¡No quiero hacer más esto!". En un barco de esclavos, ellos también eran esclavos.

-¿Cuál es tu opinión sobre los nuevos requisitos de inclusión para aspirar al Oscar a la mejor película de la Academia de Hollywood?

-Muchos de los estereotipos acerca de las personas negras vinieron de Hollywood. Lo que pasa es que Hollywood finalmente entendió que necesita generar imágenes negras positivas. No sólo porque quiere hacer las cosas bien, sino porque entendieron el poder económico negro. Pero además de luchar por nuestra representación en Hollywood, hay que luchar por nuestros derechos económicos. Pasó en los ‘60. Harry Belafonte, Sidney Poitier y Diahann Carroll fueron a la Marcha de Washington con Martin Luther King. Eran activistas.

-¿Qué le decís a los que creen que esas reglas limitan la libertad creativa?

-Los artistas son importantes, pero trabajan dentro de un sistema, una industria que tiene estándares. La idea es romper con ese marco. Yo soy un radical. La verdad es que no quiero reformar Hollywood, quiero destruirlo. Prefiero una cultura cinematográfica de izquierda que no sólo contenga a las personas racialmente, sino también a las mujeres. ¿Por qué no puedo ver una película con una mujer de más de 60 años? Y que no sea una abuela, sino que sea bella y sexy. Hacer una película no debería depender del dinero. Deberías recibir ayuda del Gobierno. Nosotros no tenemos Ministerio de Cultura. Sólo tenemos Hollywood. Por otra parte, no olvidemos que la primera gran película de este país fue El nacimiento de una nación de D. W. Griffith. Y si pensás en la dinámica de poder del sistema de estudios es bastante parecida a la de una plantación esclavista. Tenés a los trabajadores y a un gran jefe, que es un hombre blanco, en la cima, tomando todas las decisiones, con a lo sumo una pequeña señora blanca corriendo detrás de él y obedeciendo órdenes (risas). Hay relación entre la lucha por la justicia racial y la justicia cultural.

-Hablás de crear una cultura negra radical. ¿Qué significa?

-La tradición negra es radicalmente inclusiva. No queremos que seas solo espectador, sino que participes. En la tradición negra eso se llama call and response (llamada y respuesta). Es como en la iglesia negra, cuando el sacerdote dice algo y la congregación responde “amén”. El Teatro Apollo de Harlem, por ejemplo, tiene algo muy hermoso. Cuando termina el show, el hall se llena de gente que queda hombro con hombro. Lleva tiempo salir. Entrás como individuo, pero salís como comunidad. 


Películas, charlas y debates online

Festival de Cine Migrante, en la era de la acción

En una 11° edición obligatoriamente a distancia, el encuentro de este año llega caracterizado por los episodios de violencia policial y el desamparo de quienes intentan atravesar fronteras.

Por Oscar Ranzani

La problemática migratoria se ha ido incrementando a la par de las asimetrías entre los países centrales y los periféricos. Los lectores recordarán que hace cuatro años el tema comenzó a “existir” en los medios a raíz del drama de los refugiados sirios que desnudó las discriminatorias políticas migratorias de Europa y que terminó de dejar claro para quienes todavía no lo sabían, o miraban para un costado, lo que implica el hambre en el mundo y la necesidad de encontrar un destino mejor. Pero esto no sucede sólo en Siria: se sabe de la desesperante situación de los centroamericanos que intentan traspasar las fronteras entre México y Estados Unidos y ni qué hablar de los africanos que huyen hacinados en pateras hacia el Viejo Continente. La Asociación Civil Cine Migrante viene dando cuenta de las distintas problemáticas al organizar cada año el Festival de Cine Migrante. Hasta el 29 de septiembre se llevará a cabo la 11º edición del Festival Internacional CineMigrante de manera online acorde a los tiempos de pandemia.

Este año, CineMigrante se une a CURRENTS.FM para contar con una plataforma de exhibición pensada para afrontar los desafíos del contexto actual. Con sus secciones centrales, retrospectivas, charlas y presentaciones, la muestra ofrecerá un espacio de proyección digital pensado para mantener vivo el espíritu de encuentro, que girará en torno a la interacción y el intercambio entre cineastas, invitados y el público para reflejar la práctica comunitaria del cine y fomentar la acción colectiva que es impronta del festival. Esta edición presenta una sección central con tres ejes: I can’t breathe-Fronteras/Necropolítica-Relatos que agujerean la trama. Se trata de un trabajo curatorial que despliega desde diferentes perspectivas la imposibilidad del encuentro con un otro, la consolidación de la necropolítica (modos de gestión de la vida y la muerte determinada ahora por raza y género) y el fortalecimiento del sistema de fronteras.

Uno de los films que presentará esta sección es Generation Revolution, producción inglesa de Cassie Quarless y Usayd Younis. Presentando las poderosas historias de una nueva generación de activistas black & brown de Londres, Generation Revolution explora los éxitos y desafíos inesperados que enfrentan estos jóvenes inspiradores. Motivados por el deseo de un futuro más igualitario, se embarcan en el camino gratificante pero difícil que debe ser pisado para la lucha hacia la liberación. El documental Letal, de las realizadoras brasileñas Natasha Neri y Lula Carvalho, muestra una sucesión de historias de vida de los jóvenes de las favelas de Río de Janeiro, a quienes la estigmatización social los convierte en “sujetos delincuentes”, dando así la legitimidad que la policía posee para asesinar, perseguir y hostigar.

La cineasta argentina Andrea Testa se sentía afectada por la construcción mediática que había sobre los jóvenes en situación de vulnerabilidad social y por cómo se alimentaban los prejuicios y los estereotipos del “pibe chorro”. Hace unos años, Testa se acercó, entonces, a dos amigas que militan en un partido político, pero fundamentalmente  porque son trabajadoras sociales. La idea era hacer un taller de video con un grupo de chicos del barrio 22 de Enero, de La Matanza. Así nació el documental Pibe chorro, que podrá verse en CineMigrante. El film no muestra a los jóvenes que son así catalogados. Más que detenerse en los pibes que delinquen, indaga en la mirada social que se construye. Sólo en algunas oportunidades se vale de recursos visuales como una TV en la que uno de ellos habla.

De la mexicana Tatiana Huezo se conocerá la ficción Tempestad, en la que dos mujeres realizan una travesía que hace sentir lo que significa el miedo en el ser humano. Tempestad muestra carreteras, paisajes, miradas; México del norte al sur, en un tiempo donde la violencia ha tomado el control de las vidas, los deseos y los sueños humanos. Those who feel when the fire is burning es un documental proveniente de los Países Bajos, dirigido por Morgan Knibbe, que enfoca en un grupo de refugiados que quieren entrar a Europa de forma ilegal. Van en bote durante una tormenta, cuando un anciano cae por la borda. Conducido por una fuerza misteriosa, y desesperado por encontrar a sus seres amados, su alma viaja sobre la realidad de los náufragos en Europa. El espíritu del anciano observa a personas siendo perseguidas como perros, a un trabajador ilegal, a una madre toxicómana y se desliza en los hacinados refugios de migrantes. Vagando por este limbo, el anciano cuestiona su existencia. Wiñaypacha, del peruano Oscar Catacora aborda la historia de Willka y Phaxsi, una pareja de ancianos de más de ochenta años que viven abandonados en un lugar remoto de los andes del Perú, a más de cinco mil metros de altura. Enfrentan la miseria y el inclemente paso del tiempo, rogando a sus dioses para que llegue su único hijo a rescatarlos.

Junto a las proyecciones, los/as directores/as presentarán sus films y habrá actividades especiales con destacados invitados internacionales. Este año se realizará una retrospectiva de la gran cineasta feminista Sara Maldoror, curada por su hija Annouchka de Andrade y por Chema González, Jefe de Actividades Culturales del Museo Reina Sofía. A partir del asesinato del ciudadano afroamericano George Floyd en manos de la policía, esta sección se hace cuerpo y eco del grito de ahogo que atraviesa hoy todos los territorios donde la persistencia de la colonialidad quiere disponer del aire, la vida y la existencia de miles de personas. Habrá películas que reflejan las imágenes de miles de jóvenes racializados que se unen bajo un mismo grito: “No podemos respirar”.

Entre las charlas se destaca “I can’t breathe. Un grito desde la perspectiva del movimiento Black Lives Matter”, que tomará la modalidad de un diálogo con Kazembe Balagún, activista de Black Lives Matter. También se ha previsto la mesa “Las vidas faveladas importan. Un grito de mujeres organizadas”, a través de un diálogo entre las directoras Natasha Neri y Andrea Testa, junto a las madres de menores asesinados por la policía de Río de Janeiro. El encuentro “Mujer de frontera. Defender el derecho a la vida no es delito” propone un diálogo con Helena Maleno (Marruecos/España); en tanto, “Gestión de la frontera, modo de gestión de la muerte” ofrecerá una charla con Sandro Mezzadra (Italia).

“Noches Extrañas/Strangers in the night” es la sección de cine de medianoche en donde los “cuerpos extraños” aparecen en escena; donde la alteridad se conforma como un hecho político, como potencia. Realizar esta sección viviendo la pandemia del coronavirus es para los organizadores una apuesta a recuperar la noche como acto político de desdibujamiento de los contornos corporales, de las fronteras de clase. Se propone como un lugar para volver a decir: Todo cuerpo es político. Algunos de los films que se podrán ver son Bixa Travesty, de Claudia Priscilla y Kiko Goifman; Brown girl begins, de Sharon Lewis, y Bruk out, de Cori McKenna.

* Para acceder a la programación es necesario generar un usuario en el sitio del festival.

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El planeta de los humanos y los cuentos de hadas del crecimiento

Los documentales Planet of the Humans, de Jeff Gibbs y producido por Michael Moore, y Cuentos de hadas del crecimiento, de Pierre Smith Khanna, se han lanzado gratuitamente a la red con una temática similar: el decrecimiento inevitable en un mundo finito.

 

Di toda la verdad pero dila sesgada

el éxito se encuentra en el rodeo

La verdad debe deslumbrar poco a poco

o ciegos quedarán todos los hombres

Emily Dickinson

En las últimas semanas dos documentales se han lanzado gratuitamente a la red con una temática similar: el decrecimiento inevitable en un mundo finito, que ya sobrepasa muchos de los límites que su finitud le impone. Es un buen momento ahora para ver dos piezas que pueden alimentar muchos debates interesantes y sobre todo necesarios. [Alerta, spoiler]

El primero que pude ver fue Planet of the Humans, de Jeff Gibbs, producido por Michael Moore. Una pieza en mi opinión con mucho interés, valiente, y quizá por ello, temeraria, con alguna inexactitud y crítica difícil de justificar. Digamos que hace un ataque frontal a los lobbies de las renovables y a muchos de sus defensores a ultranza con un material que ha envejecido un poco —parece ser que llevaban tiempo planeando el documental—, en cuanto a datos de eficiencia que se han quedado algo desfasados. Y hace sangre con algún ambientalista como Bill Mckibben, que no debería estar en el documental al mismo nivel que, por ejemplo, Al Gore.

Ahora bien, el diagnóstico, el cuadro general, es certero y apunta donde duele. Una pequeña lista de los criticados en el documental: Apple, Goldman Sachs, Banco Mundial, Naciones Unidas, los hermanos Koch, Bloomberg, Tesla, Google u organizaciones ecologistas como el Sierra Club. No teme generarse enemigos, vamos, y era previsible que le cayeran palos por todas partes.

Es un documental que rompe con un tabú en la izquierda norteamericana, denuncia claramente que las renovables se merecen ese nombre sobre todo porque cada cierto tiempo, hay que renovarlas. Fabricación, ensamblaje, mantenimiento, todo ese proceso se hace con combustibles fósiles y materiales escasos, así que bueno, renovables, renovables, no son. Ni lo serán. La intermitencia de los factores que generan la energía hace imprescindible tener baterías y alternativas menos pulcras para mantener el suministro, eso incrementa los costes sucios de esas energías supuestamente “limpias y verdes” y las empequeñece. Es bastante obvio que se está exagerando el potencial de esas fuentes por varias razones.

La primera: el crecimiento no se cuestiona. Decir que las futuras fuentes energéticas (a día de hoy) nos permitirían mantener un 30% o un 40% de la energía actual es igual a 99% de colapso del sistema. Si cae la fe en la Iglesia del Perpetuo Crecimiento, el sistema de dinero deuda se vería en un aprieto por la falta de confianza=fe, y con él casi todos los bancos=parroquias. Estamos como sociedad en esa fase de negación casi lógica ante un problema enorme que nos sobrepasa. Hay que descomplejizar las sociedades opulentas del norte sí o sí, y eso va contra el dios mercado y la religión neoliberal. Pero la entropía, la atmósfera sobrecargada, o la ley de rendimientos decrecientes no negocian y el tiempo para atajar la emergencia climática se está acabando.

Y el factor más peligroso: el gatopardismo verde. En esta fase de capitalismo en crisis que el covid-19 simplemente ha acelerado, lo que parece es que la transición a renovables la va a pilotar BlackRock. Esto es como poner a Ortega Cano a dirigir el tráfico. Mal vamos. No parece descabellado pensar que si la “oportunidad de negocio” es ahora la transición a green, a sostenible, a limpio, pues la mayor empresa del mundo en gestión de activos, que se dedica a invertir como nadie en combustibles fósiles o en armamento —y que por cierto posee una buena parte del IBEX 35— se quita la camiseta sucia de sangre y aceite, se pone una verde reluciente, y… os presento a BlackRock, capitán ecologista. O mejor dicho, Capitán Greenwashing. Con mucho negocio paralizado o en pendiente cuesta abajo, las inversiones de los Green New Deal norteamericano y europeo van a suponer muchos millones para quien ejecute esas transiciones.

Eso explica los ataques despiadados que está recibiendo el documental de Gibbs y Moore por parte de casi toda la prensa y hasta de referentes del ecologismo, que no creen que sea un buen momento para esa crítica cáustica, y puede que tengan razón en parte. En defensa de esos referentes, como por ejemplo Naomi Klein o George Monbiot, hay que decir que el documental cae a veces en un sentimentalismo quizá excesivo. El tema de la superpoblación, en fin, es otro tabú, y lo toca de una manera muy tosca y algo primermundista, y de las nucleares por ejemplo no dice ni mu. Eso sí, está hecho para el público norteamericano, que quizá está en una fase de negación aún más exagerada que la nuestra, prueba viviente es su presidente.

Otro factor a analizar es la dicotomía creciente en la sociedad norteamericana. Si haces una crítica a las renovables, ya te posicionan muchos medios del lado diestro que defiende a Trump y al lobby de las petroleras, eso está ocurriendo con algunos artículos contra Michael Moore y Jeff Gibbs, y hay que evitar caer en la trampa. Hay grises entre esas dos posturas. Ni el sector aparentemente progresista está limpio en su totalidad, ni todo es mentira en la crítica al sistema que se puede entrever en la alt-right estadounidense. De hecho, una parte de esa legítima crítica, la están copando Bannon y compañía por el buenismo a veces algo acrítico de ciertos sectores de la izquierda. Es un tema muy complejo en el que los matices son importantes. La transición a renovables es inevitable, pero también la crítica constructiva al “progreso” al que, como diría Benjamin, a veces hay que detener aún tirando del freno de emergencia.

Lo que me parece cuanto menos para reflexionar, es por qué al documental de Di Caprio, (Before The Flood) o al de la misma Naomi Klein (Esto lo Cambia Todo) no le zurraron tanto los grandes medios de comunicación  —financiados por muchas de esas empresas criticadas, que dependen en muchos casos de los bancos, y en los que nada más entrar a sus webs puedes ver banners relucientes de Iberdrola y la transición a renovables, guiño, guiño—. Igual es que no metían el dedo en la llaga: se acabó crecer y crecer y nada lo puede evitar. Para entender mejor el documental y los límites de las renovables recomiendo seguir lo que dicen https://crashoil.blogspot.com/2020/04/umans.html">Antonio Turiel y Antonio Aretxabala, dos científicos expertos en energía fósil y renovable de los que yo aprendo cada día, y que han publicado sus opiniones sobre el documental en sus respectivos blogs. 

Y entonces, cuando más cabreado estaba por las críticas a ese trabajo estimulante y más que digno, un humilde documental llamado Cuentos de hadas del crecimiento apareció por algoritmagia ante mis ojos. Es un documental hecho en Barcelona por Pierre Smith Khanna, miembro del colectivo Research and Degrowth, en el que se hace un recorrido menos sentimental y más histórico del problema ecológico-energético y que es más propositivo, habla más de soluciones. Eso me encanta. Creo que estamos saturados de críticas, necesitamos propuestas.

En realidad, es mejor documental, sobre todo para iniciarse en la problemática o comprenderla. Pero no recibirá ningún ataque. A nadie le va a molestar y —ojalá me equivoque—, poco debate habrá con él. Es una obra que hasta que sea evidente que daba en el clavo, pasará probablemente inadvertida. Igual pasan los años y es reverenciada, pero ahora mismo, como no busca polémica y no está avalada por una persona mainstream como el oscarizado Michael Moore, tiene difícil llegar a mucha gente.

Y para eso está esta crítica, para decir que ambos trabajos valen mucho la pena. Juntos son unas dos horas. Dos capítulos de la serie de tu vida. Y, perdonadme, no hay ficción que supere a esta realidad donde Pablo Casado cita a Orwell sin pestañear, un tipo de barril de petróleo (los futuros de West Texas) se ha llegado a vender a - 37 dólares, es decir te pagan porque te lo lleves a casa, y Abascal hace de defensor de la causa LGTBI.

Por Juan Bordera

11 may 2020 04:37

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“El cine es un acto de resistencia”

Referente del documental en su país, Iscar se explaya sobre su concepción del género. “Existe la responsabilidad del cineasta por hacer la mejor obra posible y, además, al trabajar con personas reales, la responsabilidad de la imagen que dejamos”, afirma.

Como corresponde a cualquier encuentro de su tipo que se precie, la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires (Fidba), que se desa- rrolla desde ayer y hasta el 2 de agosto, no sólo incluye entre sus actividades las correspondientes secciones competitivas y panoramas, sino una serie de actividades que permiten extender el contacto entre películas y espectadores más allá de la simplicidad binaria que suele signar ese vínculo. Entre los invitados de esta edición se cuenta la figura destacada de Ricardo Iscar, gran referente del documental español en la actualidad, cuya filmografía ha conseguido convertirse en una de las más influyentes entre sus colegas y compatriotas más jóvenes.


Iscar llega al Fidba para desempeñarse como uno de los jurados de la Competencia Internacional, pero también para brindar una tutoría a los directores cuyos proyectos fueron seleccionados dentro de la competencia de películas en construcción. Y también para dictar un seminario de tres jornadas en la UMET, Sarmiento 2037, que concluirá el próximo jueves. En él se propone realizar un recorrido por los principales estilos del género, del documental creativo al cine observacional, el cine directo, el cinéma vérité o el documental etnográfico, siempre desde un punto de vista práctico y enfocado a la realización cinematográfica.


“Cuando era joven quise ser oceanógrafo y me anoté en la carrera de biología, pero mi familia me convenció para que siguiera la tradición familiar. Como provengo de una familia dedicada al derecho, que alguien quisiera dedicarse a la biología (o al cine) sonaba a una locura”, cuenta Iscar para reconstruir el origen del vínculo con su oficio. “En especial recuerdo dos hallazgos: el primero fue el de un ejemplar del Motín de La Bounty en una edición antigua, que me reveló que las letras sin dibujos encerraban un mundo fantástico. No pude parar de leer. El segundo es una tarde en que, sin saber qué hacer, eché mano de la biblioteca de mi padre y encontré un manual sobre la fotografía. Aquella tarde aprendí qué era el celuloide, el revelado, el fijado, el encuadre y el iris. Fue como encontrar las palabras mágicas que hacen surgir el genio de la lámpara”, completa el cineasta.


–¿Cuándo comienza entonces su vínculo con el deseo de hacer cine?


–Yo tenía una moto de 50 centímetros cúbicos y se la cambié a uno de mis hermanos por el acceso exclusivo a un baño apartado, que estaba al fondo del pasillo. Ahí instalé mi primer laboratorio de fotografías. Pasaba los días haciendo fotos y revelándolas y saltándome las clases de la Universidad. Ya en segundo de Derecho me matriculé en Comunicación Audiovisual en Madrid. No tenía permitido hacer dos carreras a la vez pero tampoco se enteraban. Cuando acabé Derecho me marché a Berlín a estudiar cine

.
–¿Fue entonces que eligió al documental como territorio?


–En realidad nunca me planteé hacer documental, ni siquiera sabía lo que era. Yo quería hacer ficción, pero cuando rodé mi primer corto me vi enfrentado a un sistema muy jerárquico y codificado, con un lenguaje muy ortodoxo y eso me asustó. En el cine de lo real descubrí la libertad. Podía llevar yo mismo la cámara, podía reinventar la película continuamente. Podía ser más yo, tocar más el material y paradójicamente, tener mayor control. O eso me parecía entonces, porque hoy en día no estoy tan seguro. Puede que en realidad nunca haya dejado de hacer ficción.


–Usted acaba de mencionar el cine de lo real. ¿Cree que el documentalista debe serle fiel a la realidad?


–No existe la verdad. Existe un sistema judicial que establece lo que es justo o no, pero que no significa que sea la verdad. La historia enseña que existen distintas versiones de ella, tantas como personas la han vivido. Kurosawa lo deja claro en Rashomon. Mi vida son mis ojos y dura los que duren estos. Yo expreso, con suerte, lo que veo, vivo y siento en algunos pocos momentos. Uno ha de ser fiel a sí mismo y honesto con las personas. Puedo decirte que estoy a favor de la manipulación pero no del fraude.


–¿Y cuánto de ilusorio o de fe hay en esa búsqueda de aprehender esos momentos de realidad a través de las herramientas del cine?


–Cuando tenía 25 años mi padre consiguió un fragmento de celuloide donde aparecía mi abuelo, fumando y sentándose en una camilla. Dura solo unos segundos pero es la única imagen que certifica la existencia de mi abuelo, quien murió antes de mi nacimiento. Esas 24 imágenes por segundo no son la realidad, pero es lo que más se parece a ella. Lo que hace el cine es recoger los fantasmas que vamos dejando atrás a cada instante. Lo ilusorio no es el cine, sino la vida. Hacer cine es un acto de resistencia y de pasión.


–En un cuento de Ray Bradbury (El sonido de un trueno) unos viajeros en el tiempo modifican involuntariamente el presente cuando uno de ellos pisa por accidente una mariposa en el pasado. ¿El documentalista es consciente de que su rol modifica las condiciones del objeto que retrata, convirtiéndolo en otro parecido pero necesariamente distinto?


–Es cierto. Nadie se baña nunca en el mismo río ni el rio es nunca el mismo después de haber puesto tu mano. Toda intervención produce alteración, pero esta puede no ser necesariamente negativa. Sé que lo que expreso es solo como yo lo veo, pero me preocupa la vampirización, el artista que quiere hacer su obra a cualquier precio. Prefiero las transfusiones. Es cierto que eso produce una contaminación consentida, porque toda la vida se basa en el intercambio, pero también quiero que este sea justo. Existe la responsabilidad del cineasta por hacer la mejor obra posible y además, al trabajar con personas reales, la responsabilidad de la imagen que dejamos.


–¿Pero no es posible creer que esa intervención/alteración puede convertir a esa mirada de lo real en ficción o, por lo menos, en una versión oblicua de la realidad?


–Roland Barthes decía que una ficción no deja de ser un documental sobre el trabajo de un actor. Ver una película con John Wayne es también ver al actor que ya murió, realizando su trabajo. Y si la ficción es documental, el documental es ficción. ¿Dónde empieza uno y acaba el otro? Da igual. Lo importante es la obra final. El cine es un medio de expresión y la realidad solo es una e inaprensible. El mito del cine como realidad lo expresa perfectamente Adolfo Bioy Casares en La invención de Morel.


–Más allá de su rol como cineasta, ¿qué es lo que más admira y qué lo que más aborrece como espectador cuando ve el trabajo de sus colegas?


–Lo que más admiro es la capacidad de resistencia, la tenacidad y, en contadas ocasiones, cuando me muestran algo que yo también podría haber visto pero no lo he hecho y ahora se me aparece renovado y transformado, elevado gracias a una mirada que transciende el objeto. Cuando esto sucede agradezco el talento pues uno en primer lugar es espectador. Lo que más aborrezco es la falta de humildad. También la apariencia innovadora bajo la simple repetición de lo ya hecho. Las dos últimas suelen ir juntas.

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